15.9.18

III circuito intercontinental

Sesión de juzgamiento del III circuito intercontinental de fotografia. De izquierda a derecha: José Antigua, Pedro Genaro Rodríguez, Sandra Garip Hued,EFiap, Rafael Sánchez Cernuda,EsFiap y Luís Nova.

9.9.18

El grupo fotográfico Jueves 68


El primer sábado de cada mes se celebra una actividad que los amantes del arte no se quieren perder: la Tertulia del Museo Bellapart, concebida y conducida por su directora, Myrna Guerrero.
Su éxito ha sido tal que, paulatinamente, la temática de la tertulia, inicialmente fundamentada en artistas y piezas de la riquísima colección del museo, se ha ampliado, llegando a incluir a creadores nuevos, siempre de tanta calidad que los comentarios e imágenes encajan perfectamente en el contexto y los valores de la institución.
Acaba de suceder en la última tertulia, cuyos centros de interés, dedicados a la fotografía dominicana, fueron el grupo fotográfico Jueves 68 y, para ilustrarlo, uno de sus miembros –“jovencito” entonces–, Vitico Cabrera.
Además, en la biblioteca del Museo Bellapart, se había conservado, con el cuidado identificador de la institución, el libro aniversario, “10 años de fotografía dominicana”, subtitulado “Grupo fotográfico Jueves 68”. Una verdadera pieza de colección… que se mostró a los presentes.
10 años de fotografía dominicana: grupo fotográfico Jueves 68. “Un jueves del año 1968, en la ciudad de Santiago de los Caballeros, nació el grupo “Jueves 68”. Lo fundaron fotógrafos profesionales o de nivel profesional por su dominio de la técnica fotográfica”…
Así empieza el libro que, en 1978, conmemoraba el décimo aniversario del núcleo de ocho artistas del lente. Este volumen, en blanco y negro, tiene carácter histórico: fue el primero publicado sobre un colectivo de fotografía dominicana, el primero también de la Colección de Arte E. León Jimenes con motivo del 75 aniversario del grupo empresarial.
Los fotógrafos eran Domingo Batista, Pedro Borrell, Cuquí Cabrera, Vitico Cabrera, Julio González, Marcel Morel, Pedro Nicasio y José Antonio Ramírez.
Sobrio y elegante, volumen excepcional para la época, si bien un texto define y presenta a cada uno de los fotógrafos, el contenido iconográfico se clasifica por los temas enfocados y las características formales.
Se comunican así propuesta, ideología y estética compartidas por todos y cada uno. Varias de las fotografías –originales– están expuestas en la Sala de Artes Visuales del Centro León, cuyas colecciones de fotografías son únicas en el país y probablemente en el Caribe.
Jueves 68 en la historia. Hasta la década del 1960, en la República Dominicana la fotografía todavía se consideraba un pasatiempo aficionado, sino un oficio para visualizar el reportaje periodístico, documentar la identidad, destacar celebraciones sociales.
Sin embargo, el país contó desde finales del siglo XIX notables fotógrafos locales aparte de los extranjeros visitantes, y sobresalió –décadas después–, con su afamado estudio, Abelardo Rodríguez Urdaneta.
Ahora bien, podemos notar que se ha ido adoptando una nueva visión, singular y colectiva, a partir de las fotos de Jueves 68 y sus miembros. Siempre las miramos con emoción, recordando el éxito en París de la muestra que tuvimos la suerte de llevar, y viendo con orgullo dominicano, ¡que el libro se compraba! Estaba presente Julio González, que lamentablemente falleció muy recientemente.
Las imágenes del grupo fotográfico, documentales y estéticas, simbólicas aun, siguen atrayendo hoy, por su contenido, su expresividad, su léxico –plurales–, y una gran curiosidad…
No cabe duda de que Jueves 68, antes de que sus integrantes se separaran hacia sus propios caminos, evolucionó fiel a sus planteamientos iniciales, más exigente aun y sin concesión cualitativa, retratando y metaforizando los encantos del país y de su gente. Técnica y arte por la identidad…
El magno escritor y pensador dominicano, Juan Bosch, escribió acerca de Domingo Batista: “Artistas creadores capaces de darle vida a la imagen de un hombre del pueblo que se dedica a vender escobas o convierte en atractivo el seto de una vieja casa de madera en la que nadie vive, eso solo puede hacerlo un fotógrafo creador (…)”. Este elogio hubiera podido aplicarse a Jueves 68 en conjunto, a sus ocho “fotógrafos creadores”…
Señalaremos que, en septiembre 2008 y el contexto de “Rituales de identidad”, Photoimagen celebró “40 años después”, memorable exposición de Jueves 68 conmemorativa, en el Museo de Arte Moderno, con la curaduría de Carlos Acero.

tomado de Hoy, Publicado el: 8 septiembre, 2018

Singular y Plural, revelación de Ángela Hernández


La fotografía de hoy, que se aventura más allá de lo real objetivo, observable y documental, consigue efectos de belleza, misterio y espiritualidad, siendo esa propuesta particularmente cierta para la exposición, Singular y Plural, de Angela Hernández, que se presenta en la Galería Nacional de Bellas Artes.
La autora confirma su virtuosismo en el manejo de la cámara, y espontáneamente reconocemos, en el proceso creativo, una mirada interior que inspira la mirada exterior. ¡Angela Hernández, apreciada por todos como escritora y poeta, puede celebrarse también por la calidad de sus fotografías! Sus obras transmiten tanto el impacto visual como la magia lírica. La poeta – ya el término “poetisa” no se usa- no traiciona la fotografía, la enriquece, y, parafraseando el título de la exposición, imágenes singulares pluralizan las sensaciones de quien las contempla… Aquí, la fructuosa fecundidad de una interacción entre literatura y fotografía, otrora no esperada, pasa a ser evidente.
Desde el esmero museográfico . “Singular y Plural” ocupa la entera superficie de la primera planta– que obviamente ha tenido que ampliar sus espacios de exposición-. Sesenta y siete fotografías se alojan allí, perfectamente dispuestas. Entre el museógrafo Miguel Ramírez, artista que también se valora como escenógrafo e instalador, y la propia Ángela Hernández, se ha realizado un montaje excelente que llega a tener su “personalidad”, respondiendo al ritmo y la estética de las imágenes.
Estas imágenes fotográficas, particularmente, sobrepasan el nivel de la simple realidad y revelan una esencia que una breve ojeada no percibiría nunca. Además, encontramos una unidad orgánica de las fotografías con versos en miniatura, escritos especialmente para la muestra y colocados al compás de los módulos de obras.
Los cuadros suelen acompañarse de cédulas identificadoras. Aquí no las hay: Ángela Hernández ha querido que este repertorio de formas, líneas y colores prescinda de fichas… Tres títulos –solamente- señalan los temas: Hojas, Cortezas, Muros, y la mirada se detiene, absorta en cada ícono como si fuera la lectura de un poema o una partitura.
Ahora bien, los temas que se tratan y retratan con el rigor de un foto-reportaje, al mismo tiempo comunican y dialogan… tanto que la museografía de repente no vacila en acercarlos, en diseñar cercanías y conjuntos a manera de versos en una estrofa.
…Y que no dejemos de mencionar aquellas instalaciones –¿una o tres?-, de hojas muertas, extrañamente vivas, que yacen, animan, sorprenden, seducen…
Encanto y lirismo. Hay fotografías de la muestra que ameritan un análisis especial, conjugando una estricta toma directa con una insólita visión poética, así el delicado esplendor de las hojas y la luz filtrante. El entorno cotidiano adquiere dimensiones estéticas contemporáneas en los muros: la paleta se modula exuberante y múltiple, tanto como sorda y monocromática.
El caudal emotivo de Ángela Hernández repunta y se concentra en sus enfoques de las cortezas, sorprendiéndonos su facultad de metamorfosis. Y siempre la calidad técnica incrementa la eficiencia óptica y estética. Vale mencionar una impresión ejemplar de las fotos, realizada por Miguel Peralta, también fotógrafo experto.
El ojo, el corazón, la mente se fusionan en un lenguaje, en una expresión totalizante. Cada fragmento se convierte en un micro-paisaje hipnótico: de follajes a hojitas, de troncos centenarios a cortezas agredidas, de muros rocosos intervenidos por el tiempo a grafitis letristas, neo-figurativos y sibilinos. ¿Y qué decir de la aparición inesperada de siluetas humanas en el espacio, pareciendo la realidad trascendida en la ficción de una aventura? O de lagartos más verdes que las hojas? Una visita a “Singular y Plural se impone para quienes aman la fotografía y la poesía.


tomado de Hoy, Publicado el: 1 septiembre, 2018

6.9.18

Pedro Genaro : FIAT PISCES


3.9.18

Arrecife

29.8.18

Vitico Cabrera


13.8.18

Barroco tropical

















BARROCO TROPICAL. Una oda a la cultura popular dominicana. Concepto: Yeimy Díaz, Alina Vargas-AFanasieva. Fotografía y Post: Alina Vargas-Afanasieva Dirección de Arte: Yeimy Díaz Elaboración de vestuario: Alina Vargas-Afanasieva Modelos: Yael Duval, Alexis Liriano


“Barroco tropical” es el segundo trabajo colaborativo entre la fotógrafa dominicana Alina Vargas-Afanasieva y el director de arte y escenógrafo Yeimy Díaz Romero.

La muestra, que se presentará en el Centro de la Imagen, estará abierta al público desde el 23 de agosto hasta el 23 de septiembre del presente año.

Se informó que es una exposición de arte fotográfico y esculturas a través de las cuales se cuenta la historia de diversos personajes de la cultura popular dominicana.
Incluye una serie de doce imágenes en la que se conjugan los colores y las costumbres, como un sutil encuentro entre el arte del Viejo Mundo y los encantos del Caribe.
El eje temático de la exposición invita los espectadores a observar algunos elementos de la cultura como íconos de su propia identidad, tomando como punto inicial la cotidianidad dominicana y la influencia del Viejo Mundo desde su etapa de colonización hasta la actualidad.
La muestra estará desarrollada dentro de un universo fantástico, satírico y elegante, pero vista desde la época del Barroco.


tomado de periodico HOY,11-8-2018


15.7.18

Documentum/Instrumentum


3.7.18

Cartagena


Santo Domingo. El destacado fotógrafo chileno Maglio Pérez está de regreso en el país. En esta ocasión lo hace atendiendo una invitación de su amigo Freddy Ginebra para que participe en el programa de actividades con motivo de la celebración de los 44 años de Casa de Teatro.
Maglio Pérez hizo una pausa de su agenda en Chile para compartir con el público su más reciente trabajo titulado “Cartagena”, una serie de fotografía que el público podrá disfrutar desde este miércoles 4 de julio, a las 7:00 p.m. en la sala Paul Giudiceli de Casa de Teatro.
Esta producción de Maglio Pérez incluye un libro, cuya salida al mercado está pautada para este mismo año.
Al ponderar la exposición aseguró: “Al caminar por estas calles olvidadas, miro y me detengo, sufro y soy feliz a la vez porque aquí están mis raíces, mis recuerdos de infancia, mis días de inocencia que jamás regresarán, mis caminatas solitarias buscando algún rumbo. Cartagena, mi vinculo con el mundo, el gran pueblo que dejó huellas en mi vida, huellas que estampo en imágenes. Mi caminar no es encontrarme con un pueblo llamado Cartagena, es humildemente, encontrarme conmigo, con lo más íntimo de mi ser, porque el solitario que camina en esos silencios que abruman, se encuentra con aquel espíritu perdido que dejó de sentir, de mirar y llorar”, indicó Pérez.

Parte de la trayectoria profesional

27.6.18

Urbanitas


22.6.18

Michel Lo Monaco


15.6.18

La era plasteozoica

6.6.18

Players.Los fotografos de Magnum entran al juego


La muestra reúne a 46 fotógrafos de distintas generaciones de la agencia Magnum con el fin de sacar a la luz imágenes donde el juego es el protagonista. La faceta más lúdica y desenfadada de los fotógrafos de la prestigiosa agencia.



En 2017 se cumplieron 70 años desde que Robert Capa descorchara una botella de champán para brindar por la fundación de la hoy prestigiosa agencia de fotografía Magnum. Desde entonces, han sido 92 los fotógrafos que han contribuido a su historia y a hacer visibles acontecimientos cruciales de este período a través de un lenguaje artístico y periodístico, forjando a su vez iconos mundiales.
La muestra #ExpoPlayers –comisariada por los fotógrafos Cristina de Middel y Martin Parr nos ofrece una faceta diferente de estos profesionales y pretende mostrar su parte más lúdica a través del concepto del juego. La propuesta rescata los distintos significados, las distintas acepciones de la palabra “players” en inglés y recoge imágenes en las que el juego está presente de diferentes modos, ya sea en la acción que describe la imagen como en la propia actitud lúdica del fotógrafo, una propuesta en la que ellos juegan o miran como juegan los demás.
Esta exposición y su selección de cerca de 200 fotografías en color y blanco y negro tiene en cuenta la gran variedad de estilos y visiones de los fotógrafos de Magnum que, con su cámara y su trabajo, dan lugar a una multiplicidad de combinaciones sobre el concepto del juego. En palabras de Cristina de Middel, la muestra “pretende rebajar el tono de las expectativas que se proyectan sobre la agencia, mostrarla relajada, en la intimidad, cuando nadie la mira, disfrutando de la fotografía sin tener que grabar en piedra verdades universales con cada disparo”.
Esta selección traza además una particular retrospectiva de la agencia, a través de la historia y de los distintos estilos fotográficos de sus integrantes y muestra una faceta menos conocida del archivo de Magnum: 46 fotógrafos de distintas generaciones –desde históricos como Jim Goldberg, Bruce Davidson, Susan Meiselas o Eliott Erwitt a incorporaciones más recientes como Alec Soth, Mark Stuart o Christopher Anderson– muestran, por primera vez, la faceta más desenfadada y divertida de sus autores,  con el fin de sacar a la luz imágenes dónde el juego es el hilo argumental.

“Se funda la escuela 1563 del Proyecto Melica, siendo uno de los pocos proyectos en este momento histórico, que dio la oportunidad de estudiar a mujeres adultas al margen de las obligaciones preestablecidas debido a su sexo dentro del núcleo familiar”


El juego como hilo conductor

En la muestra –que podrá visitarse en la tercera planta de Espacio Fundación Telefónica del 9 de mayo al 16 de septiembre de 2018–  hay ejemplos de fotografías que ilustran todo tipo de diversiones y entretenimientos.
Imágenes que nos hablan del «jugador», en referencia a jugador de juegos deportivos como el futbol, el golf o el baseball. Aquí se incluyen, entre otros, algunos ejemplos de excentricidad británica como las fotografías que Peter Marlow hizo de los alumnos del colegio de Eton jugando al famoso «juego de la pared», una especie de rugby ancestral, o las de Chris Steele-Perkins documentando el partido de críquet que anualmente tiene lugar en la isla de Wight durante el tiempo en que la marea baja permite aflorar el banco de arena sobre el que se juega.
Igualmente, player en su acepción de «intérprete» nos remite a la música. Así, en la exposición encontramos desde fotografías sobre el mundo del jazz de Guy Le Querrec hasta imágenes de Jonas Bendiksen en las que aparecen retratos de músicos noruegos de heavy metal, en estado de éxtasis.
To play significa también «jugar»: la muestra la componen también niños jugando en la calle en imágenes firmadas por Bruce Davidson, Cristina García Rodero o Alex Webb entre otros; gente jugando a las cartas, al ajedrez o a las apuestas de caballos de Marc Riboud y Bruce Gilden. Entre estas destacan también las ya famosas fotografías de Pokémon GO realizadas por Thomas Dworzak (que se convirtieron en las más populares jamás subidas al sitio de Magnum).


Cristina de Middel (Alicante, España, 1975)
Fotógrafa española investiga la ambigua relación existente entre fotografía y verdad. Su trabajo juega con la reconstrucción de arquetipos y estereotipos que ayudan a difuminar la separación entre la realidad y la ficción. Después de 10 años trabajando en prensa y como fotógrafa humanitaria, De Middel creó el lanzó The Afronaut, serie que narraba las hazañas del programa espacial zambiano en 1964.
Desde el año 2012, De Middel ha producido nuevos trabajos que se centran en redefinir la idea de lo documental y en completar la limitada descripción del mundo de los medios de comunicación masivos. Con más de 12 libros publicados, ha sido galardonada y finalista en numerosos certámenes como el PhotoFolio Arles 2012 o el Infinity Award from del International Center of Photography de Nueva York. En 2017 Cristina De Middel ganó el Premio Nacional de Fotografía en España y fue nominada como miembro en la agencia Magnum.

Martin Parr (Epson, Reino Unido, 1952)
Miembro de la agencia Magnum desde 1994, además de uno de los fotógrafos documentales más renombrados de su generación. Con más de 90 libros publicados y otros 30 editados por él, su legado fotográfico ya está establecido.
Parr también trabaja como comisario y editor. Ha comisariado dos festivales de fotografía Areles en 2004 y la Bienal de Brighton en 2010. Más recientemente ha comisariado la exposición Strange and Familiar en el Barbican Centre. En 2013, fue nombrado profesor visitante de fotografía en la Universidad de Ulster. El trabajo de Parr está en colecciones de muchos de los mayores museos desde la Tate, el Pompidou o el MoMA.



Programa de talleres y actividades paralelas
  • La exposición ‘Players. Los fotógrafos de Magnum entran al juego’ va acompañada además de un programa de talleres elaborado por nuestro equipo educativo. Hay talleres para todas las edades y la inscripción es gratuita. Consulta aquí todos los detalles.
  • #PlayersContest. Lanzamos un nuevo concurso de fotografía con la comunidad de Instagramers.
tomado de Extramasdearte,com

2.6.18

De color a blanco y negro


25.5.18

Graciela Iturbide . Fotografias

Libertad en blanco y negro

El Centro de Arte Alcobendas repasa su carrera


 El año que viene hará diez que la Fundación MAPFRE nos descubrió en Madrid la trayectoria de la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide, ganadora además, hace justo medio siglo, del prestigioso Premio Eugene Smith y en 2008 del que concede la Fundación Hasselblad sueca.

Aquella exposición ha itinerado después a numerosas ciudades sembrando el interés por la artista y ahora, contando con préstamos de la propia Fundación MAPFRE y de la Galería Rafael Ortiz sevillana, y coincidiendo con la celebración de PhotoEspaña, el Centro de Arte Alcobendas repasa hasta agosto la trayectoria de esta autora, que, tras un primer deseo frustrado de dedicarse a la literatura, se formó en el Centro de Estudios Cinematográficos de su país, al final de la década de los sesenta, y también de la mano de la gran figura de influencia en fotógrafos mexicanos posteriores: Manuel Álvarez Bravo. Él le recomendó fijarse sobre todo en la pintura, aprender de sus composiciones.
Las imágenes de Iturbide, que decidió dedicarse en exclusiva a la fotografía en 1974, están estrechamente ligadas a la mujer, al indigenismo y a la naturaleza, pero sobre todo impresionan por conjugar poesía y valor documental, una rara unión que seguramente hizo posible su buen conocimiento de los paisajes, los ritos populares mexicanos (prehispánicos y católicos) y la vida cotidiana de las gentes que retrató.
Entre las series que llevó a cabo en su país, próximas incluso al simbolismo, podemos subrayar las dedicadas a las mujeres independientes de Juchitán, en Oaxaca, y a los indios Seris, pero sería injusto vincular su producción únicamente a los trabajos que llevó a cabo en México, los Méxicos diversos que pasaron por su objetivo, porque también fotografió a lo largo y ancho del mundo, sobre todo en Estados Unidos, Italia, India o Madagascar, pero también en España. El viaje no ha sido, analizando su carrera, una anécdota, sino una dinámica de trabajo imprescindible, una fuente inagotable de aprendizaje y de inspiración. Otra fueron, ya sabéis, los pájaros, que siempre le han fascinado quizá por ser el más evidente emblema de una libertad que ella siempre ha anhelado. Con ellos se identificó: Soy un pájaro y no lo soy. Soy una mujer y luego un pájaro. O un pájaro y luego una mujer. No importa. Y algo de pájaro tiene también su modelo más célebre, La mujer ángel, presente en Alcobendas.
Aunque, como decíamos, Álvarez Bravo fue su primer maestro, Iturbide también se dejó influir por el humanismo de la mirada de Brassäi, Diane Arbus, Robert Frank y Christer Strömholm y se fijó en aquellos fotógrafos que a la hora de elegir encuadres huían de lo obvio sin caer en lo anecdótico, como Cartier-Bresson o Francesca Woodman. Fueron sus referentes a la hora de gestar un lenguaje propio, que ha transitado a medio camino entre lo cotidiano y lo chamánico dando lugar a metáforas inesperadas, a atmósferas que, según José María Díaz-Maroto, la aproximan al realismo mágico.
Tras cada una de sus fotos existe un proceso de confianza: una relación más que cercana, de convivencia, con sus modelos, un vínculo que ella considera esencial a la hora de lograr una buena fotografía. Desde sus inicios trabaja en blanco y negro; aprendió a fotografiar así de Alvarez Bravo y nunca ha abandonado las sombras porque, en su opinión, permiten abstraer la realidad, mientras que el color la distorsiona y no puede representar la vida cuando resulta demasiado vivo. Por la misma razón, tampoco recurre a trucajes ni intervenciones digitales; cree que las fotos se toman, no se hacen.
Coincidiendo con la presentación de esta exhibición en el Centro de Arte Alcobendas, de carácter retrospectivo, Iturbide recoge el quinto Premio Internacional de Fotografía que concede esta institución. Es posible que no sea la última vez que pase por este espacio, porque continúa en activo; para ella la fotografía es una tarea irremediable, ya que la entiende como un medio para conocer la vida y el mundo.
Por cierto, si queréis conocerla mejor y os gusta el cómic, sabed que hace pocos meses vio la luz una biografía suya en forma de historieta: Iguana Lady. La vida de Graciela Iturbide, a cargo de la escritora Isabel Quintero y el ilustrador Zeke Peña.
Hay más pájaros en Alcobendas que los de Iturbide esta primavera: también hasta agosto y en el marco de PHotoEspaña, Juan del Junco presenta su proyecto reciente Never-ending Handbook. Guía de las aves de mi mundo, centrado, una vez más, en la exploración de los vínculos entre la fotografía y los métodos de investigación científica aplicados a la fauna, sobre todo los de la ornitología. Las aves forman parte, no solo de la obra, también de la vida de este fotógrafo andaluz desde la infancia, y en esta serie dedicada a las que moran en Andalucía ha trabajado desde los parámetros del fotolibro y la narración, rozando las características de una publicación científica pero a una distancia prudencial.

“Graciela Iturbide. Fotografías”
CENTRO DE ARTE ALCOBENDAS
c/ Mariano Sebastián Izuel, 9
Alcobendas
Del 23 de mayo al 25 de agosto de 2018

tomado de Masdearte.com

21.5.18

Masai mara


18.5.18

Photo imagen 2018


por Yohanna Hilario
SANTO DOMINGO. Durante un encuentro con los representantes de la Fundación Imagen 83 y el Centro de la Imagen fueron dados a conocer los detalles de lo que será la VIII edición del Festival de Fotografía y Video Photoimagen. Esta edición cuenta con la coordinación de la Embajada de España, país invitado de honor, en la República Dominicana.
Esta versión, que tendrá como sedes Santo Domingo, Santiago y Bonao, tendrá como eje temático Hallazgos, en el que se explorará las múltiples posibilidades de la imagen, a través de su uso y función en la fotografía y el video de estos tiempos.
La agenda del premio contempla la presentación de cuatro exposiciones: Trópico de Cáncer de Juan Manuel Díaz Burgos, en el Centro León de Santiago; Un cierto panorama, reciente fotografía de autor en España, en el Museo Cándido Bidó en Bonao; en Santo Domingo City Blues, La ciudad habitada de Jorge Lens, en el centro de la Imagen y Un expresionismo feroz de Alberto García, en el Centro Cultural de España y Arte Berri.
La inauguración del evento, donde los amantes de la fotografía podrán disfrutar de exposiciones, talleres, conferencias, exposiciones... se llevará a cabo el 2 de noviembre, a las 7:30 de la noche, en el Centro Cultural de España.
Photoimagen, es el Festival internacional de fotografía y video único en el Caribe, nació en 2006 con un propósito: unir a la comunidad fotográfica del país, y crear nuevos espacios para difundir, discutir y pensar el arte de la fotografía.

tomada de diario libre




22.4.18

Clara Martínez Thedy, 30 años después

por Marianne de Tolentino
Durante los últimos dos años se multiplicaron en Europa, y especialmente en Francia, las exposiciones de arte africano. No solamente presentaron la magnífica escultura tradicional, sino también la creación contemporánea, añadiendo a la tercera dimensión pintura y fotografía.
¿Deseo de contrapesar el oprobio del pasado colonial o valoración sincera en un mundo multicultural? Probablemente ambas motivaciones existen, pero fue una revelación estupenda, sumando la unanimidad crítica. Casualmente, una importante fotógrafa nuestra viajó a Kenya en este período, volvió con cientos de imágenes y sintió la misma emoción, la misma fascinación que en su primer viaje en 1987.
Clara Martínez Thedy, tres décadas antes, había descubierto esa región de África y la tribu de los masáis, haciendo una suerte de reportaje espontáneo sobre la gente, la fauna, la tierra. Treinta años después, el encanto de Clara se fortaleció, igualmente la madurez de su talento.
Ella no solamente documentó en imágenes sus estadías y su… fascinación, sino que las volvió un libro, memoria visual tangible que conjuga ambas experiencias y transmite al lector una pasión.
El Centro de la Imagen, “hogar” dominicano de la fotografía, ha acogido su puesta en circulación y presenta parte de las obras que motivaron su publicación.
“África serena”. El hermoso volumen se distingue por su elegancia y su sobriedad. El título “África serena” tiene por subtítulo “30 años después”, incógnita para quienes no conocen la historia de Clara, que descubrió África, deslumbrada, en 1987, y que volvió a ella treinta años después.
El libro privilegia la mirada, como debe ser: unas 170 páginas dedicadas a las imágenes y ocho para los textos. Estos son breves e intensos: presentación y comentario de Carlos Acero – el texto principal–, estudio que tiene un enfoque plural y accesible a la vez, biográfico, geopolítico, etnológico y estético. Además, están la reedición de un artículo nuestro escrito en 1987, el prefacio y un poema de Clara Martínez Thedy.
Es la introducción, justa y necesaria, a un despliegue fotográfico que así nos convida a viajar con Clara por paisajes panorámicos, por la epopeya cotidiana de seres excepcionales en su supervivencia cultural, por la captación de una fauna mágica, fábulas casi, donde el león, rey de los animales, domina una población increíblemente variada, entre tierra, agua, aire.
Dos épocas, la unidad. Ahora bien, y la exposición lo demuestra, hay una diferencia entre la mirada inicial y la segunda. En la primera, se sienten la revelación y la aventura. Se palpaba el choque perceptivo, físico y espiritual, en las fotografías argénticas de entonces. Deslumbramiento, respeto y habilidad se unían en aquel relato visual del 1987.
Treinta años transcurrieron hasta 2017… La fotógrafa ha madurado, adquirido experiencia, perfeccionado su técnica –hoy digital–, sus enfoques y encuadres. Esta evolución amerita ponderarse en la manera de captar nuevamente paisajes y horizonte, la gente –hombres, mujeres, niños– con una serie de retratos impactantes, y siempre esta fauna que parece haberse multiplicado y diversificado. Los masáis son héroes y guardianes de la preservación de las especies.
Recordamos que Aimé Césaire decía “que la juventud negra voltea la espalda a la tribu de los viejos”. Parece que todavía, entre los masáis y su hábitat en inmensas reservas naturales, el legado ancestral se mantiene con su idiosincrasia cultural y su economía secular, sin que olvidemos el auge turístico de hoy.
Una sociedad pacífica, tradicional, respetuosa de la vida, que ama la naturaleza, la cuida y se nutre de ella. Al menos esa es nuestra lectura de las fotografías de Clara Martínez Thedy. Son documento y testimonio, advertencia e invocación a preservar este mundo maravilloso.
En fin, vibran las propias palabras de la autora y artista acerca de estas tierras, su fauna, su flora: “…tengo la esperanza de que las próximas generaciones se ocupen de custodiarlas para que siempre puedan existir”.

tomado de Hoy,21-4-2018

18.4.18

Hydro


6.4.18

Africa serena,30 años despues


8.3.18

Estudiantes PUCMM en fotogrupo


Estudiantes de PUCMMM con Orlando Barría en la reunión de fotogrupo

6.3.18

Sobre papel


6.2.18

NUEVA DIRECTIVA 2018

Recientemente fue elegida la nueva directiva de FOTOGRUPO para el año 2018, la cual esta integrada de la siguiente manera:
Director: Rafael Sanchez Cernuda,ESFIAP
Secretaria: Sandra Garip,EFIAP
Tesorero: Manuel Pujols,ESFIAP
Vocal de exposiciones: Rafael Bello Camacho
Vocal de giras: Hector Lachapelle
Vocal de prensa: Augusto Valdivia
Vocal auxiliar: Alfredo Moronta.

26.1.18

Programa Reunion mensual 5 Febrero



Exposicion "Cuajao" de Mariano Hernandez


Exposicion "Metamorfosis de Alumina"


18.12.17

Los puentes de Central Park


14.11.17

Temporal


10.11.17

Expo Mexico 2017


1.11.17

Imagenes del viaje




27.10.17

Viaje 40 Aniversario


26.10.17

Sigilo


21.10.17

One & One


14.10.17

Invitación


13.10.17

Almendrones


11.10.17

Centro Cultural Banreservas


8.10.17

Una visita no guiada a la exposición Fotogrupo 40…

Módulo principal de la exposición
Cuando un colectivo presenta un conjunto de imágenes, celebrando un aniversario de varias décadas, se piensa en una retrospectiva que revela los inicios, el desarrollo, la actualidad. Al anunciarse la exposición, se presumía que Fotogrupo, existiendo y funcionando desde el 1977, enseñaría su evolución desde que el maestro Wifredo García lo fundó.
Hubiera sido difícil, teniendo los organizadores que hurgar en archivos, ya que varios de los fundadores han partido del grupo o de la vida, y constantemente nuevos fotógrafos se integran, asegurando así relevo y continuidad. Varios, profesionalmente, viven de la fotografía, ¡todos viven con la fotografía!
La muestra aniversario ha optado por la presentación de los miembros –sin discriminación de antigüedad ni permanencia– y de sus obras actuales o recientes, una decisión positiva, avalada por la calidad de los trabajos y la íntima convicción de los expositores respecto a sus producciones respectivas.
A su vez, están avaladas por la reacción de los espectadores –muchos jóvenes entre ellos–, muy impresionados, y que a menudo toman fotografías de las fotografías…
Un circuito aleccionador. El recorrido, que requiere por lo menos una hora –y es poco–, demuestra la independencia de los participantes, que son sus propios curadores y no han caído en los excesos de experimentos e identificación restrictiva.
Si el artista se apropia de lo real de una manera particular, así lo transmite. Si la diversidad temática lo caracteriza, así mismo la expone. Esta libertad es una de las claves del éxito de Fotogrupo 40: las imágenes, lógicamente reflejan cómo y qué ve cada fotógrafo, pero es obvio que no hay regla impuesta, ni por el grupo, ni por el expositor mismo. El interés, la emoción, el espectáculo, accionan la cámara. ¡Que, en la luz, surja una revelación o se confirme el deleite de una hora, aquí los fotógrafos captan “sus” momentos particulares!
Así miramos tantos paisajes… Casualmente, leímos recientemente que, en el idioma japonés, paisaje se dice “shanshui”, un ensamblaje de dos caracteres significando “monte” y “agua”. Esta misma visión topográfica apasiona a nuestros fotógrafos: cordillera y montaña, alturas y valles, ríos y cañadas, mar y lago, se despliegan, extensamente –otra característica será la frecuencia de los panoramas–. Se suman y simultáneamente dialogan forma, planos espacio, color –con matices y contrastes–, pero sobre todo domina el sentimiento de la naturaleza. Los fotógrafos son los primeros ecologistas, plasmando la preservación de la tierra, de la flora, de la fauna –sean fieras o avecillas–.
Ahora bien, el proceso creativo igualmente se interesa por el lenguaje de los cuerpos, del desnudo, de las manos, de los rostros, por su hermosura que no es siempre la belleza tradicional, por su poética que no evade el drama. Además, las festividades, la devoción, los monumentos, los escenarios, la condición humana, motivan, con una gran variedad de enfoques, a los artistas de Fotogrupo.
Nuestro texto no es más que una dimensión personal, –entre la percepción y la reflexión– que se desprende de la magnífica exposición Fotogrupo 40 en la Galería Nacional de Bellas Artes.
Vale señalar que visitas guiadas por los propios expositores se ofrecen a los visitantes interesados.
tomado del  Hoy, sabado 7de octubre de 2017

1.10.17

Exposicion de Quilvio Cabral

Exposicion de Toño Arias

La imagen puede contener: una o varias personas